Kunst und Design

Geboren 1968 in Bignona, Senegal 
Lebt und arbeitet in Dakar, Senegal

Als Maler, der die pulsierende Atmosphäre der Stadt einfängt, zählt Amadou Camara Gueye heute zu den führenden Persönlichkeiten der modernen senegalesischen Kunst. Er schloss 1997 sein Studium an der École des Beaux-Arts in Dakar als Jahrgangsbester ab und erlangte 2000 auf der Biennale von Dakar große Bekanntheit. Seitdem hat er seine künstlerische Arbeit weit über die Landesgrenzen hinaus ausgeweitet und stellt in ganz Europa, den USA und China aus, insbesondere in Zusammenarbeit mit der Fondation Blachère und dem Art Institute of Shenzhen.

Er ist tief in Pikine verwurzelt, einem Arbeiterviertel von Dakar, und fängt dessen Intensität mit unerschütterlicher Klarheit ein. Camara betrachtet die Stadt als einen Körper unter Druck. Seine aus geschichteten Ebenen konstruierten Gemälde entfalten sich wie gesellschaftliche Kaleidoskope: Gebrochene Architekturen, dichte Menschenmengen und strenge lineare Perspektiven erinnern an die rasante städtische Expansion, Landflucht und die tektonischen Verschiebungen einer Region im Wandel.

Doch inmitten dieser dichten gedrängten Atmosphäre bricht leuchtende Farbe hervor. Sie trägt Hoffnung, Zärtlichkeit und die Stärke menschlicher Verbindung in sich … Mann und Frau als Ursprung und Versprechen. Er spricht oft von seinem Bestreben, „alles Dunkle zu beleuchten“. Als Geschichtenerzähler der Straße und Dichter des Realen transformiert Amadou Camara das kollektive Gedächtnis in eine lebendige Bildsprache – klar und zugleich zutiefst menschlich.

Geboren 1974 in Abidjan, Elfenbeinküste 
Lebt und arbeitet in Abidjan, Elfenbeinküste

Joana Choumali wurde 1974 geboren und lebt in Abidjan. Ihr künstlerisches Schaffen liegt an der Schnittstelle zwischen dokumentarischer Recherche und materiellem Experimentieren. Ausgebildet in Grafikdesign in Casablanca und zunächst als Art Director tätig, hat sie die Fotografie zu einer Form der Hybridität gemacht, bei der das Bild zu einer Fläche wird, die es zu bewohnen, zu verändern und neu zu interpretieren gilt.

Ihre Arbeit interpretiert afrikanische Kulturen durch Gesichter, Schmuck, Gesten und urbane Landschaften. Von ihrer Serie zu Skarifikationen und Frisuren über die eindringlichen Bilder, die nach dem Anschlag von Grand-Bassam im Jahr 2016 entstanden sind, bis zu ihren nachdenklichen Aufnahmen der Morgendämmerung – Choumali fängt das Intime und das Kollektive ein. Oft greift sie direkt in ihre fotografischen Abzüge ein, durch Besticken, Näharbeiten und Collagen: langsame, meditative Gesten, die die dokumentarische Fotografie in das Reich des Traumhaften verschieben. Ihre Werke schweben zwischen Wachsein und Traum und verbinden Realität mit Fantasie.

Im Jahr 2019 wurde sie für „Ça va aller“ als erste Afrikanerin mit dem Prix Pictet ausgezeichnet. Sie hat international ausgestellt, unter anderem auf der Biennale von Venedig (Pavillon der Elfenbeinküste, 2017) und im Zeitz MOCAA in Kapstadt. Ihre Arbeiten befinden sich in großen Sammlungen wie dem V&A, dem MET, dem High Museum of Art und MACAAL. Eine wichtige Stimme in der zeitgenössischen globalen Kunst.

Geboren 1957 in Dakar, Senegal 
Lebt und arbeitet in Berlin, Deutschland und Dakar, Senegal

Mansour Ciss Kanakassy studierte von 1973 bis 1977 am Institut National des Arts in Senegal. Zu Anfang seiner Karriere erlangte er Bekanntheit durch seine großformatigen kubistischen Holzskulpturen, von denen einige in die Sammlung von Präsident Léopold Sédar Senghor aufgenommen wurden.

Nach dem Umzug nach Berlin im Jahr 1993 nahm seine Kunst eine offenere politische Dimension an und setzte sich kritisch mit dem Erbe der Berliner Konferenz (1884–1885) und der kolonialen Teilung Afrikas auseinander. Im Jahr 2000 gründete er gemeinsam mit Baruch Gottlieb das Laboratoire de Déberlinisation, dem sich später Christian Hanussek anschloss – eine konzeptionelle Plattform, die sich dem Neudenken der Kolonialgeschichte und der Neugestaltung ihrer Erzählungen widmet. Im Jahr 2019 wurde das Labor in die Ifitry-Residenz in Marokko verlegt, wo die Forschung und der künstlerische Dialog zusammen mit dem Künstler Mostapha Romli fortgesetzt werden.

Ciss entwickelte zudem den „Afro“, eine symbolische Währung und künstlerische Geste, die Souveränität, wirtschaftliche Abhängigkeit und globale Machtverhältnisse hinterfragt. Gleichzeitig trieb er das visionäre Projekt „United States of Africa“ weiter voran.

Ciss erhielt 2008 den Grand Prix Léopold Sédar Senghor bei Dak’Art und hat in Afrika, Asien, Europa und in den USA vielfach ausgestellt. Seine Werke sind Teil der großen öffentlichen Sammlungen, darunter das Museum der Weltkulturen (Frankfurt), die National Heritage Collection of Senegal, die BCEAO und das Museum of Black Civilisations in Dakar.

Geboren 1979 in Déou, Burkina Faso 
Lebt und arbeitet in Paris, Frankreich

Saïdou Dicko, ein Künstler der Peul, ist in den Bereichen Malerei, Fotografie, Video und Installation tätig. Er verankert sein Schaffen in einer prägenden Erinnerung: der eines jungen Hirten, der im Alter von fünf Jahren die Schatten seiner Schafe auf den Boden der Sahelzone zeichnete. Aus dieser Erinnerung entsteht eine Ästhetik von Abbild und Licht. Seit er sich 2005 der Fotografie zugewandt hat, nutzt Dicko dieses Medium als Form der Offenbarung, bei der die Schatten keineswegs Abwesenheit bedeuten, sondern zu einer symbolträchtigen Präsenz werden.

In Dakar, Ouagadougou und Déou fängt er wechselnde Silhouetten ein, die zwischen Realismus und Traumwelt stehen. In seinen Fotografien, Malereien, Textilien und immersiven Installationen setzt Dicko Kontrast, Gesten und Formen ein, um Liebe, Gleichberechtigung und Respekt für das Leben zum Ausdruck zu bringen. Seine Arbeit durchzieht eine leuchtende Lyrik und ruft innere Landschaften wach, die von Hoffnung geprägt sind. Wenn er mit sozialer Ungerechtigkeit konfrontiert wird, etwa mit Kindern, die zum Betteln gezwungen werden, verschärft sich seine Sprache und nimmt einen unverblümten, politischen Ton an.

Als Träger des Prix Blachère (2006), des Prix de la Francophonie (2007) und des Off-Preises der Europäischen Union sowie durch internationale Ausstellungen in Galerien wie AFIKARIS, ARTCO und Jackson Fine Art hat sich Saïdou Dicko als einzigartige und bedeutende Stimme in der globalen zeitgenössischen Kunstszene etabliert.

Geboren 1977 in East Orange, New Jersey, USA 
Lebt und arbeitet in Brooklyn, USA, und Johannesburg, Südafrika

Als Soziologin ausgebildet, hat Ayana V. Jackson eine kompromisslose Ausdrucksweise an der Schnittstelle von Fotografie, Performance und visueller Forschung entwickelt. Ihre Arbeit hinterfragt die historische Konstruktion einer schwarzen Identität, insbesondere des schwarzen weiblichen Körpers, durch die Linse kolonialer und ethnografischer Perspektiven. Zwischen Amerika, Ghana und Südafrika betrachtet sie die mehrschichtigen Geschichten der afrikanischen Diaspora und legt die Gewalt offen, die in historischen Darstellungen verankert ist.

In sorgfältig inszenierten fotografischen Tableaus positioniert sich Jackson innerhalb des Bildausschnitts, um überlieferte visuelle Codes zurückzugewinnen und zu hinterfragen. Sie greift auf verschleierte oder mythologisierte Figuren zurück, zerlegt tief verankerte Stereotypen und legt mit außergewöhnlicher bildlicher und konzeptueller Schärfe die Mechanismen von Rassismus und Geschlechterdominanz offen.

Jacksons Werke befinden sich in großen internationalen Sammlungen, darunter das Studio Museum in Harlem, das Princeton University Art Museum (USA) und die National Gallery of Victoria, Southbank (Australien). Ihre Ausstellung „From the Deep“ (2019) im Smithsonian National Museum of African Art in Washington, D.C. (USA), markierte einen entscheidenden Moment in der globalen Anerkennung ihrer Kunst. Im Jahr 2022 gründete sie „Still Art“, ein Programm, das sich der Förderung aufstrebender Künstler aus dem südlichen Afrika widmet.

Geboren 1977 in Kinshasa, DR Kongo 
Lebt und arbeitet in Courcouronnes, Frankreich

Michèle Magema ist eine französisch-kongolesische Künstlerin, die an der École Nationale Supérieure d’Arts de Cergy ausgebildet wurde und die Spannungen zwischen Nord und Süd, dem Intimen und dem Politischen, der Erinnerung und der Geschichte erforscht. In den Bereichen Video, Fotografie, Zeichnung und Installation hinterfragt sie die Konstruktion weiblicher Identitäten und überlieferter Narrative, indem sie ihren eigenen Körper als Ort der Metamorphose und kritischen Reflexion inszeniert.

International bekannt wurde Magema im Jahr 2004 auf der Dakar-Biennale, wo sie mit dem Präsidentenpreis ausgezeichnet wurde und daraufhin rasch eine internationale Karriere startete. Von Africa Remix im Centre Pompidou, Paris, bis zu Ausstellungen in der National Art Gallery in Johannesburg und dem Brooklyn Museum in New York – ihre Werke werden in Europa, Afrika und den USA gezeigt.

Magema bewegt sich in einem kritischen Raum zwischen verschiedenen Welten und erforscht dabei Systeme von Herrschaft, Migration und ausbeuterischer Gewalt. Ihre jüngsten Recherchen beschäftigen sich mit kolonialen Archiven aus einer dekolonialen Perspektive und befreien „gefangene Bilder“ durch Zeichnung und Performance. Gezeigt in großen Sammlungen, darunter dem AfricaMuseum in Brüssel und dem Museum Rietberg in Zürich, ist sie eine wichtige Stimme im zeitgenössischen visuellen Denken.

Geboren 1964 in Libreville, Gabun 
Lebt und arbeitet in Paris, Frankreich

Myriam Mihindou ist eine französisch-gabunische Künstlerin und hat eine Ausdrucksform entwickelt, in der Kunst zu einer Handlung der Fürsorge und einem Ritual der Wiederherstellung wird, das von einem Leben in Bewegung geprägt ist. Sie wurde in Libreville geboren und lebte in Ägypten, Marokko, Réunion und Haiti, bevor sie sich in Paris niederließ. Skulptur, Installation, Zeichnung, Schreiben, Fotografie, Keramik, Video oder Performance – jedes Medium fungiert als sensibles Instrument, das Körper, Sprache und Erinnerung einbezieht.

Ihre Arbeit befasst sich mit Fragen der Identität, Spiritualität, des Frauseins und der Ökologie durch einen Ansatz, der zugleich intim und politisch ist. Mit großer Aufmerksamkeit für die Orte und Menschen, denen sie begegnet, arbeitet Mihindou in physischer und emotionaler Empathie mit spezifischen Kontexten und versucht, individuelle und kollektive Wunden zu heilen, die aus Geschichten der Unterdrückung stammen. Sie reflektiert über Entwurzelung und Exil, während sie zugleich die Erinnerungen der Vorfahren und Heilrituale bewahrt, die sie auf ihren Reisen sammelte.

Sie ist international anerkannt, hat im Palais de Tokyo und im Musée du Quai Branly in Paris, in La Verrière in Brüssel und im CAAM in Las Palmas ausgestellt und war 2024 auf den Biennalen von Lyon und Gwangju vertreten. Ihre zutiefst humanistische Praxis vermittelt eine Poetik der Fürsorge von seltener Intensität.

Geboren 1975 in Bulawayo, Simbabwe 
Lebt und arbeitet in den Niederlanden und Afrika

Sithabile Mlotshwa kommt aus einer Nation, die stark von kolonialer Auslöschung geprägt ist, und sie verortet ihr künstlerisches Schaffen in einem anhaltenden Widerstand gegen die Umschreibung der Geschichte und die Dominanz hegemonialer Narrative. In ihrem transdisziplinären Schaffen – das Installation, Zeichnung, Collage, Klang, Text und ortsspezifische Interventionen umfasst – setzt sie sich mit normalisierten Systemen der Unterdrückung und der Machtmechanismen auseinander, die über die Zeit hinweg fortbestehen und sich reproduzieren.

Auf Archivdokumente, Fotografie und mündliche Überlieferungen zurückgreifend, schafft sie immersive Umgebungen, in denen Vergangenheit und Gegenwart einander begegnen. In „Castle Zypendaal #2“, das den verborgenen Spuren der Sklaverei in den Niederlanden gewidmet ist, stellt sie historische Dokumente zeitgenössischen Bildern gegenüber und macht so die Kontinuität zwischen historischer Ungerechtigkeit und der heutigen Realitäten sichtbar. Ihre Arbeit gibt den verdrängten Geschichten eine Stimme und ruft zur kollektiven Auseinandersetzung mit dem kolonialen Erbe auf.

Als Kuratorin mehrerer Biennalen, Gründerin der Thamgidi Foundation und Artistic Director der IFAA Art Plattform schlägt Mlotshwa nahtlos eine Brücke zwischen künstlerischer Praxis und Aktivismus. Ihre Werke werden international ausgestellt und sind in bedeutenden Sammlungen vertreten, darunter im Kelvingrove Museum in Glasgow. Sie gilt als eine der führenden Vertreterinnen der reparativen Ästhetik an der Schnittstelle von Erinnerung, Gerechtigkeit und spekulativen Zukunftsvisionen.

Geboren 1968 in Kinshasa, DR Kongo 
Lebt und arbeitet in Kinshasa, DR Kongo und Brüssel, Belgien

Als führende Persönlichkeit der zeitgenössischen afrikanischen Kunst hat Aimé Mpane Enkobo ein kraftvolles Œuvre zwischen Kinshasa und Brüssel entwickelt. Als Erbe eines überlieferten Savoir-faire (Holzschnitzen mit einer traditionellen Dechsel) verbindet Mpane die Kraft sogenannter „primitiver“ Formen mit einer zukunftsorientierten, konzeptionellen Vision. Seine Kunst zerlegt das koloniale Gedächtnis, um es im Dialog mit der Gegenwart kritisch zu rekonstruieren.

Als erster kongolesischer Künstler, der in den Königlichen Museen Belgiens ausstellte, verortet Mpane seine Arbeiten in einer produktiven Spannung zwischen Afrika und Europa. Verschachtelte Bilder, hybride Dispositive und Passagen „durch den Spiegel“ prägen seine Kunstform, die sich kritisch mit Darstellung, Stereotypen und vorherrschenden historischen Erzählungen auseinandersetzt.

Er bewegt sich zwischen Kongo und Belgien und setzt sich für eine wahre Brüderschaft ein – für die beiden Länder und die ganze Welt. Engagiert, poetisch und zutiefst humanistisch positioniert Mpane seine Kunst als einen Raum möglicher Versöhnung. International ausgestellt, ist sein Werk eine wesentliche Stimme im Dialog zwischen den Kulturen und der Neugestaltung gemeinsamer Geschichten.

Geboren 1975 in Nairobi, Kenia, und 1964 in Ludwigshafen, Deutschland 
Leben und arbeiten in Deutschland

Ingrid Mwangi wurde 1975 in Nairobi geboren und hat ihre Kunst an der Schnittstelle von Fotografie, Video, Skulptur und Performance entwickelt. Nachdem sie in ihrer Jugend nach Deutschland zog und an der Akademie der Bildenden Künste in Saarbrücken ausgebildet wurde, untersucht sie die Spannungen zwischen afrikanischen und europäischen Traditionen und hinterfragt die sozialen Konstruktionen von Rasse, Geschlecht und Identität.

Mit der bahnbrechenden Serie „Neger Don’t Call Me“ (2000), in der sie ihr Gesicht in eine Maske aus Haaren und Dreadlocks verwandelt, erklärt Mwangi ihren eigenen Körper zu einem politischen Ort. Im Jahr 2005 fusionierte sie ihren Namen und ihre Biografie mit der von Robert Hutter. Zusammen bilden sie die künstlerische Einheit IngridMwangiRobertHutter – eine radikale Geste, die feste Identitätskategorien hinterfragt und die gegenseitige Abhängigkeit von Erzählungen bekräftigt.

International ausgestellt in Institutionen wie dem Centre Pompidou in Paris, dem Brooklyn Museum in New York, dem Smithsonian in Washington, D.C. und dem Mori Art Museum in Tokio, setzt sich ihr Werk mit sichtbaren und unsichtbaren Grenzen, systemischer Gewalt und kollektiver Komplizenschaft auseinander. Mit ihrer ausdrucksstarken Bildsprache gilt IngridMwangiRobertHutter als eine der wichtigsten Stimmen der globalen zeitgenössischen Kunstszene und steht für eine sowohl kritisch-scharfsinnige als auch zutiefst humanistische Kunst.

Geboren 1992 in Bujumbura, Burundi 
Lebt und arbeitet in Kigali, Ruanda

Bruce Niyonkuru, bekannt als „Canda“, hat sich zu einer der vielversprechendsten Persönlichkeiten seiner Generation entwickelt. Nachdem seine Familie nach dem Völkermord von 1994 nach Kigali zog, begann er 2011 seine künstlerische Laufbahn im Ivuka Arts Studio und widmete sich ab 2013 ganz seiner künstlerischen Arbeit. Er entwickelte einen interdisziplinären Ansatz, der Malerei, Bildhauerei und Kreativdirektion miteinander verbindet.

Seine Arbeit ist von humanoiden Figuren bevölkert und untersucht die duale Natur der Menschheit – zugleich Schöpfer und Zerstörer, lebendiges Archiv und Akteur der Geschichte. Canda bewegt sich fließend zwischen Utopie und Dystopie, Fantasie und sozialer Realität und versteht seine Kunst als transformative Kraft und einen Raum der Freiheit. Seine intensive, ausdrucksstarke visuelle Sprache bietet eine klare Reflexion über zeitgenössische Brüche.

Als engagierter Befürworter der Dekolonisierung kultureller Institutionen war er Mitbegründer des Kuuru Art Space und des Milele Museum in Kigali, hervorgegangen aus seiner Konfrontation mit geplünderten afrikanischen Artefakten in europäischen Museen. Bruce Niyonkuru, dessen Werke sowohl in Ruanda als auch international, insbesondere in Deutschland, ausgestellt werden, verkörpert die dynamische Erneuerung einer mutigen und zukunftsorientierten ruandischen Kunstszene.

Geboren 1967 in Mbalmayo, Kamerun 
Lebt und arbeitet in Paris, Frankreich, und Bandjoun Station, Kamerun

Als eine der führenden Persönlichkeiten der internationalen zeitgenössischen Kunstszene hat Barthélémy Toguo in über drei Jahrzehnten ein facettenreiches Gesamtwerk geschaffen, das Aquarellmalerei, Skulptur, Installation, Performance und Keramik umfasst. Seine Arbeiten befassen sich mit den dringenden Fragen unserer Zeit – Migration, soziale Gerechtigkeit, Ökologie und der Zirkulation von Menschen und Wissen – in einer Sprache, die zugleich formal kraftvoll und politisch resonant ist.

Toguo verbindet poetische Intensität mit scharfem kritischem Blick, oft sogar mit Humor. Im Jahr 2022 markierte seine monumentale Installation „The Pillar of the Missing Migrants“ unter der Pyramide des Musée du Louvre in Paris einen entscheidenden Moment in seiner globalen Anerkennung.

Er wurde zur Biennale von Venedig und zur Biennale von Sydney eingeladen und stellte im Centre Pompidou in Paris, im Parrish Art Museum in New York sowie im Musée du quai Branly in Paris aus. Seine Werke befinden sich in bedeutenden öffentlichen Sammlungen, darunter im Musée National d’Art Moderne in Paris, in der Tate Modern in London, im Museum of Modern Art in New York und im Pérez Art Museum in Miami.

Mit Bandjoun Station, gegründet in Kamerun, hat Toguo eine bedeutende Schnittstelle zwischen afrikanischer Kunst und der globalen Szene geschaffen. Seine zutiefst humanistische Arbeit verortet die Kunst als Raum für Bewusstsein, Dialog und Regeneration.

Geboren 1952 in Tours, Frankreich 
Lebt und arbeitet in Paris, Benin, Togo und Haiti

Als Künstler und Reisender hat William Adjété Wilson seit den 1970er Jahren ein Werk geschaffen, das sich an den Schnittpunkten von Kontinenten, Kulturen und Zeiten entwickelt. Zwischen Afrika und dem Westen, Tradition und Moderne, hinterfragt er dominante Narrative, Stereotype und hybride Identitäten und definiert sich in erster Linie als Weltbürger.

Wilson arbeitet vorwiegend mit weichen Pastellfarben auf Papier, aber auch mit Druckgrafik, Collagen, Assemblage-Skulpturen und Keramik. Seine Bildsprache zeigt eine bemerkenswerte formale Freiheit, in der persönliche Erinnerungen und kollektive Geschichte miteinander verwoben werden. Geprägt durch ausgedehnte Aufenthalte in Europa, Westafrika und den USA pflegte er langjährige Zusammenarbeit mit Künstlern und Kunsthandwerkern, insbesondere in Benin und Haiti, und bettet seine Arbeiten in den dynamischen Austausch und das Teilen von Wissen ein.

Er wurde 1986 mit dem Prix Médicis „Villa Hors les Murs“ ausgezeichnet, stellte europaweit, in Afrika und in den USA aus und realisierte bedeutende internationale Projekte, darunter „L’Océan noir“ (Der schwarze Ozean), eine monumentale Serie von Textil-Applikationsarbeiten, die in Abomey entstanden ist. Als einzigartige und weithin geschätzte Persönlichkeit, steht William Adjété Wilson für eine zutiefst humanistische und weitreichende Vorstellung von kultureller Vermischung (Métissage) in der zeitgenössischen Kunst.

Geboren 1969 in Cotonou, Benin 
Lebt und arbeitet in Cotonou, Benin

Das Werk von Dominique Zinkpé zeichnet sich durch eine außergewöhnliche Ausdrucksfreiheit und unermüdlichen Erfindungsreichtum aus und hat sich im Laufe der Jahrzehnte zu einer der markantesten Stimmen der zeitgenössischen afrikanischen Kunst entwickelt. Als Autodidakt und fern jeder Klassifizierung schafft er ein vielschichtiges Universum, das Zeichnung, Malerei, Skulptur, Installation und Video umfasst und tief in den Vodun-Traditionen des südlichen Benin verwurzelt ist und sich zugleich mit den drängenden Fragen der Gegenwart auseinandersetzt.

Seine visuelle Sprache verbindet Satire, Spiritualität und Sozialkritik. Hybride Figuren, rohe Materialien und rituelle Bezüge treffen in Werken zusammen, die Identität, Macht, das Heilige und die Widersprüche moderner afrikanischer Gesellschaften mit beeindruckender Unmittelbarkeit untersuchen. Seine Laufbahn wurde von großen Auszeichnungen geprägt, vom Young African Talent Prize bei den Grapholies in Abidjan im Jahr 1993 bis zum UEMOA-Preis bei der Dakar Biennale im Jahr 2002 für Malgré tout!

Zinkpés Werk wurde in führenden Institutionen ausgestellt – vom Zeitz MOCAA in Kapstadt über das Museu Afro Brasil in São Paulo bis hin zum MMK Museum für Moderne Kunst in Frankfurt. Es fasziniert über Kontinente hinweg, bleibt dabei jedoch fest in Cotonou verwurzelt. Als Gründer von Künstlerresidenzen und Kreativräumen verbindet er internationale Anerkennung mit lokalem Engagement und eröffnet damit neue Perspektiven für die kommenden Generationen.